Uusklassinen teatteri-usein kirjoitettu teatteriksi-viittaa liikkeeseen 17-luvun puolivälistä 18-luvun alkuun, jolloin teatteritaide määriteltiin muinaisen kreikkalaisen ja roomalaisen yhteiskunnan ajatuksilla ja tyyleillä. Tuolloin ihmiset keskittyivät voimakkaasti sisustukseen tai arvokkaaseen käyttäytymiseen ja realismiin, ja he uskoivat, että näytelmän pääasialliset syyt olivat viihteen tarjoaminen ja oppitunti. Upeat, monimutkaiset maisemat, monimutkainen draama ja tiukka huoli klassikoista olivat liikkeen tunnusmerkkejä, ja useimmille tuotannoille oli ominaista myös viisi näytöstä, harvat esitykset ja korkea improvisaatio. Liike alkoi Ranskassa, mutta levisi nopeasti koko Eurooppaan ja sen ulkopuolelle.
Aikakauden johtava periaate
Yleinen filosofia uusklassisen aikakauden aikana oli, että aiemmat jaksot olivat olleet liian löysiä ja keskittyneet liikaa tunteisiin ja yksilöön. Ajan ihmiset uskoivat, että sen vuoksi oli välttämätöntä hillitä itseään ja keskittyä enemmän siihen, mitä kukin henkilö voisi edistää koko yhteiskunnalle. He etsivät inspiraatiota siitä, miten tämä voitaisiin tehdä muinaisten kreikkalaisten ja roomalaisten, alkuperäisten klassistien, kulttuureista ja yrittivät palata tapaan, jolla nämä ryhmät olivat käsitelleet elämää ja taidetta.
Viisi sääntöä
Uusklassistien asenne liikaa ja yksilöä kohtaan sai heidät kehittämään tiukat suuntaviivat teatterin sopivuudesta. Näihin sisältyi viisi perussääntöä: muodon puhtaus, viisi tekoa, todenmukaisuus tai realismi, sisustus ja tarkoitus. Play -talot hylkäsivät yleensä käsikirjoitukset tai tuotannot, jotka eivät täyttäneet näitä vaatimuksia.
Uusklassisen ajan näytelmäkirjailijat ja näyttelijät tunnustivat virallisesti vain kahdenlaisia näytelmiä: komediaa ja tragediaa. He eivät koskaan sekoittaneet näitä keskenään, ja rajoitus johti nykyään tunnetun teatteritaiteen symboli-parin käyttämiseen. Lisäksi lisäehdot säätivät aihepiiriä ja hahmoja, jotka saattoivat esiintyä kussakin pelilajissa. Komedia, joka oli joko satiireja tai komedioita, keskittyi yleensä yhteiskunnan alempiin riveihin, kun taas tragediat kuvasivat ylemmän luokan ja kuninkaallisten monimutkaista ja kohtalokasta elämää. Näiden tyylilajien noudattaminen oli kriittinen näytelmän menestyksen kannalta, ja luokkarajoista poikkeaminen oli klassikoiden järjestyksen vastaista.
Ajatus siitä, että näytelmän tulisi rakentaa täsmälleen viidellä näytöllä, liittyy Aristotelesen kolmeen periaatteeseen eli ykseyteen. Filosofina ja analyytikkona hän uskoi, että hyvä, realistinen teatteri vaati toiminnan, paikan ja ajan yhtenäisyyttä, mikä tarkoittaa hyvin vähän osa -alueita, sijainnin tai maantieteellisen muutoksen rajoittamista ja juoni -aikajanan pitämistä enintään 24 tunnissa. Eri muotoihin siirtyneet näytelmäkirjailijat saivat yleensä kovaa kritiikkiä. Viiden näytöksen rajoituksen lisäksi useimmille vakaville tuotannoille annettiin vain yksi tai kourallinen esityksiä, koska asianosaiset halusivat välttää silmälasien luomista ja vetoaa eliittiin tai opittuihin yhteiskunnassa, mikä johti paljon pienempään yleisöön.
Tänä aikana elävät ihmiset myös yleensä odottivat näyttelijöiden olevan mahdollisimman realistisia ja kuvaavan hahmojaan juuri niin kuin he olisivat käyttäytyneet. Muissa teatterityyleissä näyttelijöiden tiedettiin olevan liian dramaattisia tai toimivan luokkansa tai roolinsa ulkopuolella, mutta uusklassismi vaati tiukkaa luokan, sosiaalisen aseman, luonteen ja sukupuolen noudattamista. Fantastisia tai yliluonnollisia elementtejä sekä solokysymyksiä ja kuoroja ei yleensä sisällytetty, koska ne eivät edustaneet todellista kokemusta tai käyttäytymistä.
Decorum kehotti käsikirjoituksia osoittamaan oikeudenmukaisuuden siinä, miten hahmot kuvattiin ja arvioitiin lavalla. Se tarkoitti myös sitä, että oikeudenmukaisuus saatiin aikaan tarvittaessa, joten uusklassisessa teatterissa ei yleensä ollut yllätyksiä, siinä mielessä, että hyvän moraalisen arvostelukyvyn omaavat hahmot palkittiin aina ja niitä, jotka olivat tehneet huonoja tai pahoja valintoja, rangaistiin. Tuotantojen piti viime kädessä täyttää tarkoitukset opettaa moraalisia oppitunteja ja viihdyttää.
Lava, lavasteet ja puvut
Uusklassisen teatterin näyttämöt olivat dramaattisia, monimutkaisia ja rikkaita. Niiden tarkoituksena oli tarjota rehevä tausta jokaiselle kohtaukselle ja auttaa yleisöä menettämään itsensä draamassa. Toinen tavoite oli tarjota realistinen illuusio syvyydestä ja havainnosta. Vaiheet itse suunniteltiin uudelleen tänä aikana dramaattisilla kaareilla korostaen kohtauksia ja useita sisäänkäyntipisteitä lavalle. Ajatus maisemien ja taustojen vaihtamisesta tulee entistä näkyvämmäksi etenkin keksimällä hihnapyöräjärjestelmät, joiden avulla osat voivat liikkua nopeammin lavalla. Valo ja äänitehosteet korostivat jokaisen kohtauksen tunnelmaa ja viestiä, mikä paransi dramaattista kokemusta.
Luonnollisesti tummat vaatteet olisivat näyttäneet hieman epätarkoitukselliselta näiden uusien settien ja lavasuunnitelmien yhteydessä. Vaikka puvut säilyttivätkin realistisen tunteen, ne olivat silti erittäin värikkäitä, ja niissä käytettiin usein pitsiä ja muita koristeita houkuttelevammaksi. Joskus näytelmän käyttäjät käyttivät myös maskeja commedia dell’arte -tyylin mukaisesti.
improvisointi
Monissa tapauksissa näytelmäkirjailijat antaisivat vain löysän juonen, ja näyttelijöiden odotettiin improvisoivan täyttääkseen kaikki aukot. Tämä oli yleisempi komedioiden kanssa, mutta se tapahtui molemmissa muodoissa, koska esityksen esittäminen oli usein spontaani päätös, joka ei aina antanut paljon aikaa kirjoittamiseen tai harjoitteluun. Joissakin seuroissa ihmiset olivat erikoistuneet näyttelemään hyvin rajoitetun määrän hahmoja, jotta he voisivat kaapata persoonat paremmin lennossa, ja muutamat näyttelijät omistautuivat suorittamaan samat roolit koko uransa ajan.
Naisten esittely
Satoja vuosia vain miehet saivat olla lavalla. Yleinen näkemys oli, että naisia ei saisi käyttää julkisissa silmälaseissa tai asettaa näkyvämmälle asemalle, ja jotkut ihmiset uskoivat, että naiset olivat niin kiireisiä ajatellen muita asioita, etteivät he voineet muistaa ja toimittaa rivejä kunnolla. Valmiina olevat pojat tai miehet, jotka pystyivät manipuloimaan ääntään, ottivat naisrooleja. Uusklassisen ajan aikana naiset saivat kuitenkin olla teatteriryhmien osakkeenomistajia ja osallistua tuotantoihin, minkä seurauksena heistä tuli ensimmäisiä ammattimaisia palkattuja näyttelijöitä.
Suurimmat näytelmäkirjailijat
Vaikka uusklassisen liikkeen aikana oli monia menestyviä näytelmäkirjailijoita, kolme näytelmäkirjailijaa saavutti huomattavan määrän menestystä ja tunnettuutta. Pierre Cornielleä (1606 – 1684) kutsutaan usein ranskalaisen tragedian isäksi, hän kirjoittaa käsikirjoituksia yli neljän vuosikymmenen ajan. Jean-Baptiste Poquelin-tunnetaan paremmin nimellä Molière (1622-1673)-tunnetaan komedioistaan. Jean Racine (1639 – 1699) oli traagikko, joka oli rakastettu yksinkertaisesta lähestymistavastaan toimintaan sekä saavutetuista kielirytmeistä ja vaikutuksista. Kaikki nämä kolme miestä pystyivät ottamaan elementtejä klassisesta kreikkalaisesta ja roomalaisesta kirjallisuudesta ja muuttamaan ne näytelmiksi, jotka noudattivat uusklassisia koristelu-, aika- ja avaruustandardeja.